El CAAM presenta la exposición “Espacio contenido. Instalaciones en la colección del CAAM”


Del 20 de septiembre de 2013  hasta el 5 de enero de 2013.

En las salas de arte de San Antonio Abad. CAAM. Las Palmas de Gran Canaria.

El CAAM presenta la exposición “Espacio contenido. Instalaciones en la colección del CAAM”.

Se amplía hasta el día 5 de enero de 2014 la exposición ‘Espacio contenido. Instalaciones en la Colección CAAM’ que se exhibe en las salas de arte del CAAM- San Antonio Abad. Esta muestra, programada inicialmente hasta el día 29 de diciembre, se nutre íntegramente de obras de los valiosos fondos de este centro de arte.

El Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) inaugura este viernes, 20 de septiembre, en sus salas de arte de San Antonio Abad, la exposición ‘Espacio contenido. Instalaciones en la Colección CAAM’ que se nutre íntegramente de obras de los atractivos fondos de este centro de arte, dependiente del Área de Cultura, Patrimonio Histórico y Museos del Cabildo grancanario, que coordina Larry Álvarez. La muestra permanecerá expuesta hasta el 29 de diciembre (ahora hasta el 5 de enero), con horario de martes a sábado, de 10.00 a 21.00 horas, y domingos, de 10.00 a 14.00 horas.

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La selección de obras reunidas en esta exposición articula su discurso alrededor de la instalación como poderosa herramienta artística que invade el museo y la dota de contenido. Espacio contenido plantea una nueva revisión de los fondos de la Colección CAAM, desde una mirada internacional, a través de cinco instalaciones que no han sido expuestas en Canarias desde hace años, adquiridas por el CAAM entre 1991 y 2002. Son cinco piezas que llevan la firma de artistas de renombre internacional, de la talla de Tony Cragg (Liverpool, 1949), Mark Dion (Massachusetts, 1961), Pepe Espaliú (Córdoba, España, 1955- 1993), Rebecca Horn (Alemania, 1944) y Thomas Schütte (Alemania, 1954).

Las instalaciones seleccionadas para San Antonio Abad “son las que mejor grafican la idea invasora del espacio museo, como elemento contenedor de un prototipo de experiencia artística”, explica Omar-Pascual Castillo, director del CAAM. “Son obras que se adecuan al espacio y convierten el museo en espacio simbólico por excelencia. Plantea el museo como espacio que se deja invadir con obras que participan inevitablemente de la especificidad espacial del recinto expositivo para hacerse valer y erigirse como baluarte simbólico”.

MICRORELATOS POÉTICOS. Las piezas de Espacio contenido se ajustan en su montaje a un manual o modelo de uso “negando todo tipo de manipulación museográfica o ideoestética del trabajo curatorial, como un sencillo y directo homenaje a la idea de lo instalativo, a la utópica idea de instalación pura. Son obras que contienen microrelatos poéticos que nos revelan las inquietudes reflexivas y sensoriales de cómo nos sentimos atrapados, además de por una temporalidad específica, por una temporalidad específica contemporánea: nuestro presente”.

INSTALACIONES EN LA COLECCIÓN CAAM. El CAAM custodia un conjunto de más de 2.500 obras de arte, -moderno y contemporáneo-, entre las cuales las instalaciones tienen una presencia mínima, aunque no por ello menos importante. Los fondos CAAM cuentan con 17 piezas consideradas como instalaciones, dado que otras están más cercanas o son mosaicos fotográficos que no funcionan como instalaciones bidimensionales, videoproyecciones o esculturas postmodernas, que se anclan al espacio expositivo, sin invadirlo, sin adaptarse a él sino simplemente ocupándolo. Entre los nombres que figuran como autores de instalaciones en la Colección CAAM se encuentran reconocidos artistas como Juan Hidalgo, Walter Marchetti, Wim Botha, Mark Dion, Tony Crag, Rebeca Horn, Pepe Espaliú, Juan Muñoz, Marcos Lora-Read, Miquel Navarro, Thomas Schütte, Zhang Dali, Cristóbal Guerra, Pedro Déniz, Francis Naranjo, Luis Sosa o Marina Vargas.

Esta nueva relectura museográfica de la Colección CAAM se enmarca en la apuesta del Cabildo de Gran Canaria por sacar a la luz todo el valioso patrimonio artístico que custodia este centro de arte. A lo largo de los últimos tres años, el CAAM viene programando distintas exhibiciones con fondos de su Colección, articuladas con obra de artistas de Canarias o de Latinoamérica, en el propio CAAM y en San Martín Centro de Cultura Contemporánea.

ARTISTAS Y OBRAS.

Tony Cragg. Yellow fragment, 1980. Termoplástico amarillo. Medidas variables. Obra adquirida en 2002

Tony Cragg está considerado como uno de los escultores británicos más importantes e influyentes desde Henry Moore. Su sensibilidad a los diferentes materiales es y ha sido el punto de partida de su trabajo, que se puede organizar en grupos, de acuerdo a los diferentes materiales empleados: piedra, arcilla, bronce, vidrio o materiales sintéticos como el poliestireno, carbono o fibra de vidrio. En gran medida, la elección del material determina la forma que adquiere la escultura, otorgándole la experiencia emocional que recibirá el espectador.
En la década de 1980, Cragg comienza a transformar elementos encontrados y manufacturados -residuos de plástico- en mosaicos que instala en pisos o sobre paredes. Estas esculturas o “dibujos”, como prefiere denominarlos, rescatan productos que el artista divide y organiza en grupos de color. Así los desechos adquieren una nueva vida y el espectador se ve obligado a reconsiderar estos elementos como objetos de arte. Estas construcciones revelan la preocupación de Cragg por la contaminación medioambiental. La recuperación y transformación de objetos residuales en creaciones sorprendentes, hace que el espectador sea más consciente de la proliferación de cosas que, cada vez más, conforman nuestro mundo. En la actualidad, Cragg vive y trabaja en Alemania.

Mark Dion. The Museum of Poison (Biocide Hall), 2000. Medidas variables. Obra adquirida en 2002

El artista estadounidense Mark Dion convierte la sala de exposiciones con la obra The Museum of Poison en un archivo de productos pesticidas agrícolas. Una vez atravesamos la falsa pared, una variedad de contenedores, venenos y cajas de archivos se muestran cubiertos por un plástico transparente situado en el centro de la sala. Dion establece una controversia entre la presencia de un material peligroso y mortal y su seductiva disposición, haciendo referencia a la metafórica habilidad del museo de contextualizar los objetos que exhibe. En muchos de sus trabajos, recrea de manera lúcida la forma de trabajo característica del museo: clasifica, sistematiza, relaciona e investiga. Se metamorfosea en ecologista, bioquímico, detective o arqueólogo, interesándose por el trabajo especializado de los profesionales de la Cultura, desde historiadores a conservadores de arte. En la obra del autor influye la importancia de los museos, su función y la moralidad de las organizaciones que sirven como intérpretes y vigilantes de las historias de ciencia y cultura. Dion construye fachadas, almacenes que representan la metodología de las instituciones museísticas, planteando la necesidad de conservar para garantizar la supervivencia. En la actualidad, Mark Dion vive y trabaja en Pennsylvania

Pepe Espaliú. Carrying I, 1992. Hierro. 63 x 200 x 36 cm. Obra adquirida en 1992 en el contexto de la exposición Historia Natural. El doble hermético.

El artista español Pepe Espaliú ha transitado la temática conceptual, la práctica de la pintura, la función editorial, coincidiendo con su paso por ciudades como Barcelona, Paris o Sevilla. Pertenece al grupo de artistas andaluces que surgió con fuerza en los años 80 y que, por la modernidad de sus medios expresivos y la sustentación teórica de sus obras, despertó gran atención. A finales de los 80, se instala en Madrid dedicándose de lleno al dibujo, a la obra sobre papel y a la escultura. A partir de este momento, su temática evidencia de forma más obsesiva sus propias referencias personales: discursos sobre la identidad, conflictos con su naturaleza homosexual y su sentido sadomasoquista del placer.
En 1990, residiendo en Nueva York, tiene conocimiento de su condición de enfermo de SIDA. Regresa a España implicándose en la acción social con los afectados. En este momento surgen las esculturas denominadas Carrying, que según el autor “utilizan la metáfora del palanquín, pero son palanquines cerrados herméticamente, haciendo alusión a la idea del contagio. Muchas veces están en conexión uno con otro, enfrentados, con una pared de por medio. Normalmente están suspendidos, la suspensión y la levitación han sido una constante a lo largo de todo mi trabajo, pero que ahora cobra una dimensión mayor. Es como si hubiera una especie de premonición. Esas piezas son una metáfora de esa situación, la situación de los enfermos”. En San Sebastián, idea la acción Carrying, en la que él era portado por dos personas por las calles. Esta acción se repite en Madrid, recorriendo desde el Congreso de los Diputados hasta la entrada del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, y suscitando un gran interés social y mediático. Pepe Espaliú nace en Córdoba, España, en 1955, y fallece en esta misma ciudad en 1993.

Rebecca Horn. The 3-armed painting school, 1989. Técnica mixta y motor. Medidas variables. Obra adquirida en 2002

Desde principios de la década de los 70, la artista alemana Rebecca Horn ha estado dedicada a la creación de un cuerpo de obra que aglutina diferentes disciplinas y soportes que van desde dibujos y fotografías hasta performances, películas, esculturas e instalaciones espaciales. La esencia de su imaginería responde a gran precisión de la funcionalidad física y técnica que utiliza para organizar su trabajo en un espacio particular.
En sus primeras performances, body-extensions, explora el equilibrio entre el cuerpo y el espacio. En trabajos posteriores reemplaza el cuerpo humano por esculturas cinéticas que adquieren vida propia. Las máquinas-esculturas de Rebecca Horn hablan de la energía en el estado más puro. Según describe la propia artista: “Mis máquinas no son lavadoras o automóviles. Tienen una calidad humana y deben cambiar. Se ponen nerviosas y tienen que parar de vez en cuando. Si una máquina se detiene, eso no quiere decir que se ha roto. Está simplemente cansada. El aspecto trágico y melancólico de las máquinas es muy importante para mí. No quiero que funcione siempre. Es parte de su vida que tienen que parar y desmayarse”. En la actualidad, Rebecca Horn vive y trabaja en Berlín y Paris.

Thomas Schütte. Out the Window, 1990. Instalación. Sillones madera encerada y tintada, 3 acuarelas sobre aluminio. Medidas variables.
Obra adquirida 1991 en el contexto de la exposición Hacia el paisaje

El artista alemán Thomas Schütte es uno de los más importantes de su generación. Sus instalaciones, esculturas, grabados, dibujos y acuarelas toman diferentes y, a menudo, contradictorias formas. “Prefiero que la gente cree sus propias historias en torno a mi obra, en lugar de hacerlo yo por ellos” comenta sobre su trabajo. Considerado tradicionalmente como escultor, se inicia en la pintura en 1975 con Gerhard Richter. De él hereda su postura crítica hacia la pintura de vanguardia, y de Daniel Buren, Sol LeWitt y Blinky Palermo, la posición de subvertir los modelos pictóricos convencionales.
Schütte está tan interesado en la tradición como en la ruptura. El arte del pasado le sirve de inspiración en numerosas ocasiones. Utiliza el camino del arte como sendero de exploración y cuestionamiento mediante la utilización de géneros escultóricos tradicionales, con resultados nada convencionales, aproximándose a la abstracción a través de la decoración para, entre la trascendencia y el diseño, cuestionar la autonomía con la idea de función. Thomas Schütte vive y trabaja en Düsseldorf.

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