La Orquesta Filarmónica de Londres, dirigida por Jurowski, inaugura en Tenerife y Gran Canaria el Festival de Canarias 2013


Del 11 al 14 de Enero de 2013.

En el Auditorio de Tenerife Adán Martín y Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria.

La Orquesta Filarmónica de Londres, dirigida por Jurowski, inaugura el Festival de Canarias 2013.

El 11 de enero en el Auditorio de Tenerife y el día 13 en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria

La sesión inaugural se abrirá con los compases del Concierto para piano y orquesta de Schumann, con el canario Iván Martín como solista

La segunda audición de la formación británica estará dedicada a Brahms, Prokofiev y Tchaikovsky, con la presencia de la violinista Patricia Kopatchinskaja

Con una de las piezas más bellas del compositor Robert Schumann, su Concierto para Piano, considerada una obra maestra, teniendo como solista a uno de los valores de la interpretación isleña, Iván Martín, junto a la prestigiosa London Philharmonic Orchestra, dirigida por Vladimir Jurowski, dará comienzo el 29 Festival de Música de Canarias el 11 de enero de 2013, en el Auditorio de Tenerife ‘Adán Martín’ y dos días después, en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria.

La Orquesta Filarmónica de Londres, al frente de Vladimir Jurowski, reconocida como una de las mas destacadas de Europa, es la formación elegida para inaugurar el Festival de 2013, en el que participarán con dos intensos y bellos programas, en cada una de las sedes del Certamen.

La formación británica, cuya calidad y sonido ya es conocida y aplaudida por el público del Festival, ha seleccionado para su regreso dos programas que abarcan un amplio periodo musical que incluyen, en su primera audición (11 de enero en Tenerife y 14 de enero en Gran Canaria), el Concierto para Piano de Schumann y la Sinfonía nº 5 de Mahler. En su segunda intervención (12 de enero Tenerife y 13 Gran Canaria) interpretarán la Obertura Trágica de Brahms; el Concierto para violín nº2 de Prokofiev, actuando como solista Patricia Kopatchinskaja; completando la sesión con la Sinfonía nº 5 de Tchaikovsky.

Primer Programa.

11 de enero Auditorio de Tenerife. 14 de enero Auditorio Alfredo Kraus

Robert Schumann(1810-1856) Concierto para piano y orquesta en la menor, op. 54

Robert Schumann puede ser considerado como uno de los ejemplos claros del romanticismo, tanto por su obra, como también por su vida. Una característica de la obra orquestal de Schumann es su preocupación por darle unidad a sus obras.

Robert Schumann sólo compuso tres conciertos completos: el de piano en La menor, opus 54 (1841- 45), el de violoncello en la menor, opus 129 (1850) y el de violín Wo O 23 en do menor (1853).

Parece que hace un boceto de concierto para piano en fa menor en 1829 con 19 años de edad, otro en 1831 en fa mayor y luego un tercero en re menor en 1833… Al tiempo, hablaba, en una carta a su maestro Wieck, de otra obra para piano y orquesta, en La menor, pero que no se conocería hasta 1839, dedicada a Clara y que era, según el autor, algo intermedio entre «una sinfonía, un concierto y una sonata.» Al termino de la composición de la Primera sinfonía, se estrena esta Konzert-Phantasie en 1841, interpretada por Clara, pero fue rechazada por los editores. De esa fantasía para piano y orquesta resultará, con la adición de dos movimientos más, el concierto que será dedicado a Ferdinand Hiller y que se estrena, con Clara como solista, el uno de enero de 1846.

La plantilla orquestal utilizada es: 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas, violines, violas, violoncelos, contrabajos y timbales. «Tan rico en invención, interesante de principio a fin, lleno de frescura y bellamente cohesionado como un todo… El piano no es sólo un solista sino un instrumento más tejiendo la música con la orquesta… no se puede pensar en uno sin el otro.»Esto era lo que Clara Schumann manifestó. Es, sin duda, uno de los conciertos más perfectos y representativos de su época, de enorme influencia

Gustav Mahler(1860-1911) Sinfonía núm. 5, en do sostenido menor

La composición de la Quinta sinfonía tuvo lugar en los veranos de 1901 y 1902. El siguiente verano será dedicado a la orquestación, retoques, a los que era siempre propenso el autor, y a la espera del día del estreno. En no siembre de 1901, conocería a Alma Schindler con la que tras tres meses de noviazgo se casará. Ella era una mujer tan bella como ambiciosa y, para ella, como regalo de compromiso, escribe el anteriormente mencionado Adagietto (4º movimiento de la Quinta) llevando el protagonismo la cuerda y el arpa, según escribe José Miguel Mederos, en el programa de mano de este concierto..

Después de un viaje a Rusia, en el verano siguiente, tendrá lugar la composición del tercero, cuarto y quinto movimientos. Por las memorias de Alma Mahler sabemos que a ella le interpretó la sinfonía completa al piano, al término de su composición.

Apunta Mederos, que de la Quinta sinfonía a la Séptima inclusive, lo que domina es la forma puramente musical: desarrollos más elaborados de cada tema, el empleo más rico del contrapunto, la adaptación del rondó, de la fuga, etc…

Si en sus cuatro primeras sinfonías predominan las imágenes y emociones, de la Quinta a la Séptima, lo que domina es la forma musical pura.

Bruno Walter manifestó lo siguiente: «El estreno de su Quinta sinfonía en Colonia sobresale entre mis recuerdos por una razón muy precisa: fue la primera y creo que la única vez, que la interpretación de una obra de Mahler bajo su propia batuta me dejó insatisfecho. La orquesta no conseguía resaltar claramente el tan complejo tejido contrapuntístico de las diferentes voces. Después de aquello sometió a la Quinta a la revisión más despiadada. Y si mis recuerdos son exactos, la acogida fue muy entusiasta, lo que prueba hasta que punto su reputación de compositor había alcanzado la mayor estima.»

La Quinta es una de esas obras maestras que nos muestra a un creador en el apogeo de su arte.

Segundo Programa.

12 de enero Auditorio de Tenerife. 13 de enero Auditorio Alfredo Kraus

La Orquesta Filarmónica de Londres, frente a la batuta de Jurowski, ofrecerá su segundo programa el día 12 de enero, en el Auditorio de Tenerife y el día 13, en el Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria, la Obertura Trágica de Brahms, el Concierto para violín nº2 de Prokofiev, en el que participará como solista Patricia Kopatchinskaja; finalizando este concierto con la Sinfonía nº5 de Tchaikovsky

El período por el que transcurren la creación de estas obras (1880 -1935) encierra una época de profundas convulsiones sociales y políticas de tremenda repercusión: una cruenta guerra mundial, una devoradora crisis económica global y el surgimiento de regímenes totalitaristas en Alemania, Rusia e Italia. En el plano musical, los pilares sobre los que se había sustentado la historia de la música tambalean y el Romanticismo se desvanece, dando paso en las primeras décadas de 1900 a una multitud de corrientes y tendencias artísticas que abarcaban tan diversos lenguajes como el neoclasicismo, atonalismo, impresionismo, dodecafonismo, politonalismo, exotismo, populismo, o el jazz, por citar sólo algunos. Tal variedad, lejos de ser un caos sin sentido, no hace sino subrayar el gran caleidoscopio artístico que fue la Europa de esos días.

En este concierto, la tradición romántica alemana sirve de obertura Brahms y epílogo Tchaikovsky y encuadran un episodio musical que contrasta por su lenguaje “moderno” y su diferente naturaleza en Prokofiev.

Johannes Brahms (1833-1897) Obertura trágica, op. 81

En 1880, a sus 47 años Johannes Brahms había alcanzado ya grandes éxitos profesionales en el terreno orquestal tras el estreno y sucesivas interpretaciones de sus dos primeras sinfonías y el Concierto para violín.

Según la autora del programa de mano, Gracia Terrén, “No es de extrañar que la Facultad de Filosofía de la Universidad de Breslau le concediera el título de Doctor Honoris Causa como “príncipe del más severo arte musical”. En agradecimiento a su investidura nace la Obertura trágica (Tragische Ouvertüre), op. 81 junto a su “siamesa” la Obertura para un festival académico (Akademische Festouvertüre), op. 80, siendo las dos únicas composiciones que Brahms dedicó a este género musical. La “Trágica” es un dramático contrapeso a la frívola y alegre Obertura op. 80. Complementarias, pero opuestas, quizás pensó que era una forma de equilibrar esa “divertida” ocurrencia y mostrar así que era digno del “más severo arte musical” por el que se le había concedido el título. Fueron interpretadas junto a la Sinfonia núm. 2 en Breslau. De la pieza emana un desasosiego que no deja espacio a la dulzura

Segei Prokofiev (1891-1953) Concierto para violín núm. 2, en sol menor, op. 63

Sea cual fuere el origen del título de la obertura y las intenciones “fúnebres” (o no) de Brahms al componer la obra, lo que realmente resultó ser trágico y opresivo fue la época en la que se desarrolla la experiencia creativa de Prokofiev al escribir en 1935, su Concierto para violín nº 2.

Dos son los conciertos que Prokofiev destinó al violín: el primero fue compuesto antes de abandonar Rusia en 1918; el segundo, nada más volver, en 1933. Volvía a sus 42 años, considerado por la crítica francesa e internacional como un músico soviético influyente y respondiendo así, a las diversas invitaciones que, desde 1927, el gobierno ruso le había extendido. Se dice que el Concierto para violín núm. 2, en sol menor representa el interés del compositor en mostrar una “nueva simplicidad”, quizás como necesidad de adaptarse al nuevo gusto oficial, así nos encontramos con una música que define bien el estilo personal y “ruso” de Prokofiev: corte moderno y, a su vez, música que deja entrever las formas tradicionales de su nación, así como las formas tradicionales occidentales. En suma, es una pieza calurosa vestida de una rica orquestación y gran virtuosismo en manos del violín solista. Fue estrenado en presencia del compositor en Madrid el 1 de diciembre de 1935 a cargo del violinista francés Robert Soetans.

Piotr Illich Tchaikovsky Sinfonía núm. 5, en mi menor, op. 64

Dando un paso atrás en el tiempo, pero sin movernos del suelo ruso, volvemos a la tradición romántica alemana, iniciada con Brahms en la primera obra del programa de la mano de otro compositor ruso, puente hacia la llegada de la música rusa al siglo XX a la escena europea.
A Tchaikovsky le tocó luchar por defender su lugar y el valor de la música occidental. Le describen como el primer compositor ruso de un nuevo tipo, totalmente profesional, que asimiló con firmeza la maestría sinfónica de la tradición de Europa Occidental; en un estilo profundamente original, personal y nacional en el cual unificó el saber hacer de Beethoven y Schumann

La Quinta forma parte de un ciclo de tres sinfonías (la Cuarta, Quinta y Sexta), fuertemente centradas en el concepto de destino que tanto inquietaba a Tchaikovsky. Escrita en 1888, uno de sus períodos más intensamente, el género sinfónico era un universo en el que Tchaikovsky creía que podía volcarse todo el mundo interior, un mundo en una constante lucha con ese miserable destino fatal al que se ve condenado.

Según Gracia Terrén, “a pesar de ser hoy un ejemplo de inspiración, en su momento hubo críticas que la tildaban de “sumamente vulgar”, destructiva, lamentable y sangrienta. Tchaikovsky concibió una sinfonía a gran escala, siguiendo el tradicional esquema cuatripartito, que le proporciona un tema, una idea musical que comienza, termina y prevalece a lo largo de la obra”.

London Philharmonic Orchestra (LPO

London Philharmonic Orchestra (LPO

La Orquesta

La London Philharmonic Orchestra (LPO) mantiene el equilibrio entre ser una de las orquestas más reputadas de la historia, con la búsqueda de nuevos proyectos que la mantengan en ese estatus. Con sede en Londres, en el Royal Festival Hall., es una de las orquestas más importantes del Reino Unido y una de las más reputadas de la historia sinfónica, permanentemente interesada en la búsqueda de nuevos proyectos que la mantengan en ese estatus.

La Orquesta fue fundada por Sir Thomas Beecham en 1932, y desde entonces ha tenido grandes directores titulares como Sir Adrian Boult, Bernard Haitink, Sir Georg Solti, Klaus Tennstedt y Kurt Masur. Desde 2007 el director principal es Vladimir Jurowski, siendo Yannick Nézet-Séguin su director principal invitado actualmente. La London Philharmonic tiene una intensa actividad internacional. En la temporada 2011/12 realizó giras en Bélgica, Suiza, Alemania, Estados Unidos, España, China, Rusia, Omán, Brasil y Francia.

Desde su creación, además de los proyectos de música estrictamente clásica y un intenso programa pedagógico, la London Philharmonic ha tenido un papel protagonista en la industria cinematográfica de Hollywood y el Reino Unido, habiendo grabado numerosas bandas sonoras de películas como La misión o El señor de los anillos, que fue galardonada con un Oscar a la mejor banda sonora. En 2005 la LPO creó su propio sello discográfico. Mantiene un programa muy elaborado de actividades pedagógicas para familias y escuelas. En los últimos años, los avances tecnológicos y las redes sociales han ayudado a que la orquesta pueda llegar a mayor número personas en todo el mundo ya que todas sus grabaciones están disponibles para ser descargadas.

Vladimir Jurowsky, director

Vladimir Jurowsky, director

Vladimir Jurowsky, director

Nacido en Moscú, hijo del director Mikhail Jurowski, Vladimir Jurowski completó sus estudios iniciales en el Conservatorio de Moscú. En 1990 se trasladó con su familia a Alemania, donde continuó sus estudios en Dresde y Berlín. En 1995 hizo su debut internacional en el Festival de Wexford, dirigiendo Noche de Mayo de Rimsky-Korsakov. Ese mismo año debutó también en el Royal Opera House, Covent Garden, con Nabucco. En 1996 pasó a formar parte de la agrupación Komische Oper Berlin, convirtiéndose en el maestro de capilla en 1997 hasta 2001.

Desde 1997 Vladimir Jurowski ha sido director invitado de las instituciones musicales y festivales más prestigiosos del panorama internacional, incluyendo la Royal Opera House, Covent Garden, Teatro La Fenice di Venezia, Opéra Bastille de Paris, Théâtre de la Monnaie Bruxelles, Maggio Musicale Fiorentino, Rossini Opera Festival de Pesaro, Edinburgh International Festival, Dresden Semperoper, y el Teatro Comunale di Bologna (donde fue Director Principal Invitado entre los años 2000 al 2003). En 1999 debutó en el Metropolitan Opera de New York con Rigoletto.

Vladimir Jurowski es invitado regularmente a dirigir las orquestas de mayor relevancia como las Filarmónicas de Berlin , Oslo, y Los Angeles, Royal Concertgebouw de Ámsterdam, la Sinfónica de la Radio de Baviera, Philadelphia Orchestra, Staatskapelle de Dresde o la Gewandhausorchester de Leipzig. Como nuevas producciones tiene previsto realizar Ariadne auf Naxos y The Cunning Little Vixen en el Festival de Glyndebourne, Die Frau ohne Schatten en el Metropolitan Opera, y Moses und Aron en la Komische Oper de Berlín.

Vladimir Jurowski es actualmente Director Principal de la London Philharmonic Orchestra, puesto generosamente apoyado por la Familia Tsukanov.

Pianista Iván Martín

Pianista Iván Martín

Iván Martín, pianista

Nacido en Las Palmas de Gran Canaria (1978), Iván Martín es hoy por hoy reconocido por la crítica y el público como uno de los pianistas más brillantes de su generación dentro y fuera de nuestras fronteras.

Colabora con prácticamente la totalidad de las orquestas españolas, así como con la Orquesta de París, Orquestas Filarmónicas de Estrasburgo, Helsinki y Zagreb, Virtuosos de Praga, Polish Chamber Orchestra, Orquestas Sinfónicas de Monterrey (EE.UU.), Santiago de Chile, Sao Paulo, y Orquesta Mundial de Juventudes Musicales, entre otras, de la mano de grandes directores

Ha protagonizado estrenos e interpretado obras de compositores como Antón García Abril, Cristóbal Halffter, Pedro Halffter, Pilar Jurado, Alberto Martínez, Daniel Roca, Ramón Paús o, más recientemente, Enric Palomar, quien le ha dedicado su primer concierto para piano y orquesta. Asimismo, consciente de la importancia de la música de cámara, participa siempre que le es posible en proyectos con otros artistas y diversas formaciones instrumentales.

Dentro del campo de la composición e investigación musical, ha sido integrante del proyecto Aula de Música Actual del Conservatorio Superior de Música de Las Palmas, impartiendo cursos sobre nuevas tecnologías para la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. Ha grabado numerosos programas de radio y televisión en España, Francia, Italia, Brasil y Estados Unidos, y recientemente ha tenido lugar el lanzamiento de su primer disco para el sello Warner Music dedicado al compositor Antonio Soler, que ha tenido una calurosa acogida por el público y la crítica, agotando la primera edición en menos de dos meses y siendo nominado a los XV Premios Nacionales de la Música en la categoría de mejor intérprete de música clásica; actualmente se encuentra inmerso en su próximo proyecto discográfico, dedicado a los compositores Mozart y Schröter.

Patricia Kopantchinskaja, violín

“Como intérprete lo que más me interesa es comunicar el significado y funcionamiento interno de la música que hago. La curiosidad es lo que me impulsa a explorar las más diversas fronteras musicales, y por ello estoy dispuesta a asumir los riesgos que esto pueda conllevar.” – Patricia Kopatchinskaja

Patricia Kopatchinskaja tiene propuesto explorar el largo y ancho del repertorio violinístico. Desde el barroco o clásico, a menudo tocando con cuerdas de tripa, hasta obras de encargo o re-interpretaciones de grandes obras modernas como Siete de Peter Eötvös, el Concierto para violín de Ligeti y obras de Tigran Mansurian, Mauricio Sotelo, Vanessa Lann, o Esa-Pekka Salonen. Recientemente ha actuado con el Concierto para violín, con la Philharmonia Orchestra, con la Orquesta Sinfónica de Alemania con Leonard Slatkin, la Orquesta Filarmónica de Radio Francia con Vladimir Ashkenazy, la Mahler Chamber Orchestra, o como parte de las Folle Journée de Nantes televisadas en directo por ARTE.

La música de cámara es de inmensa importancia para la vida artística de Patricia Kopatchinskaja y colabora con regularidad con artistas como Fazil Say, Sol Gabetta , Mihaela Ursuleasa y Polina Leschenko.

De padres músicos, Patricia Kopatchinskaja nació en Moldavia. Estudió composición y violín en Viena y Berna. En 2000 ganó primer premio del Concurso Internacional de Szeryng en México y en 2002 el prestigioso premio International Credit Suisse Group Young Artist Award, el cual incluía una actuación con la Orquesta Filarmónica de Viena y Mariss Jansons durante el Festival de Lucerna.

Patricia Kopatchinskaja graba en exclusiva para el sello Classique Naïve. Su trabajo discográfico más reciente – una selección de obras titulada Rapsodia, que explora las raíces de la música George Enescu con ejemplos de música folclórica moldava y rumana – fue seleccionado como Editor’s Choice por la revista especializada Gramophone magazine en diciembre de 2010.

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